Sorties à Hong Kong (octobre 2013) Baby blues

Baby blues (詭嬰, Hong Kong, 2013) Un film Leong Po-chi avec Raymond Lam, Kate Tsui, Janelle Sing Kwan, Karena Ng, Lo Hoi-pang, Yu Bo, Irene Wan, Cheng Qian. 91 minutes. Classé Catégorie IIB. Sortie à Hong Kong : 31 octobre 2013.

Snowpiercer – Le Transperceneige

Et de trois. Après le très raté Dernier rempart de Kim Jee-won, après le peu convaincant Stoker de Park Chan-wook, dire que l’on attend avec crainte le nouveau film de Bong Joon-ho est un euphémisme. Comment le meilleur cinéaste de la décennie précédente qui n’a rien tourné depuis Mother en 2009 allait-il résister au rouleau compresseur de la super-production internationale ? Qui plus est avec un casting et une équipe aussi hétéroclites, Chris « Captain America » en tête, tournage en République tchèque. Et en plus adapté d’une bande dessinée française des années 1980 un peu oubliée.

Le concept de Snowpiercer est simple. En 2031, notre planète n’est plus qu’une immense banquise à cause du dérèglement climatique et de la bêtise des hommes. Un train traverse à grande vitesse le globe, sans jamais s’arrêter. En tête du train, la première classe, en queue de train la troisième classe. C’est justement dans ce bout de train que le film démarre. Bong Joon-ho décrit les conditions misérables de la vie des passagers, comparables à celles de prisonniers, et lance immédiatement les enjeux. Une rébellion est en marche pour atteindre la tête du train.

Tous les passagers sont des survivants du cataclysme météorologique mais l’inégalité règne. Dans cette queue de train, les gens sont comptés comme des bêtes, habillés de haillons et ne mangent que des barres de protéines noires que des soldats leur apportent dans un grand charriot métallique. Ils sont entassés depuis 17 ans, depuis le démarrage du train. Ils vivent les uns sur les autres. Certains sont nés là, n’ont jamais pu poser un pied sur la terre et ils n’ont jamais vu le soleil. L’absence de lumière dans ces wagons donne une telle atmosphère lugubre magnifiée par la lumière du chef opérateur.

La première tâche de couleur dans toute cette grisaille vient de la veste orange d’une femme issue des premières classes. Elle vient chercher deux enfants sans donner d’explication. Elle a tous les droits, elle est de la race supérieure. Et de toute façon, elle est entourée de soldats armés. Devant ce kidnapping, Gilliam (John Hurt) autorise Curtis (Chris Evans) à lancer la révolte. Première étape : trouver Nam (Song Hang-ko), l’ingénieur du train qui permettra d’ouvrir toutes les portes et de pénétrer dans les wagons. Il accepte sous condition : recevoir à chaque porte ouverte une dose de kronol, une drogue synthétique.

Là faut-il probablement arrêter de raconter quoi que ce soit du scénario foisonnant de Snowpiercer, histoire de ne pas gâcher le plaisir simple du spectateur. Le film de Bong Joon-ho, tout comme The Host, ne se contente pas d’être un film spectaculaire aux scènes d’action entre les rebelles et les soldats superbement chorégraphiées mais il est aussi une réflexion profonde sur la condition humaine. La classe dominante a recréé dans ce train une nouvelle forme de société où Wilford (Ed Harris), le créateur du train est considéré comme un Dieu vivant.

Tout comme dans ses précédents films, l’humour est constamment présent dans Snowpiercer. Tilda Swinton incarne le porte-parole fanatique et lâche de Wilford. Avec ses lunettes rondes, son dentier, elle débite tout un discours sur la chance qu’ont les habitants de la dernière classe d’avoir été sauvés, que chaque homme doit rester à sa place et que les chefs doivent gouverner et les autres obéir. Son personnage fait rire tout en étant absolument terrifiant. Snowpiercer se transforme alors en film d’horreur pure. Les changements de ton créent un rythme frénétique, alternant moments de calme et action.

Après un tiers du film passé dans la queue du train, le soleil fait enfin son apparition pour les rebelles. Ils découvrent le monde qu’on leur a interdit. Ils voient le monde sous la neige. Ce monde artificiel recréé de toutes pièces semble changer de décennie suivant les wagons. D’abord, les années 1950 dans les restaurants et l’école où les chères têtes blondes apprennent à vénérer Wilford pour s’achever dans un monde futuriste qui semble vidé de toute substance. La grande richesse du film supprime toutes les craintes que j’avais plus haut. Snowpiercer est un très grand film.

Snowpiercer – Le Transperceneige (Snowpiercer, Corée – Etats-Unis – France, 2013) Un film de Bong Joon-ho avec Chris Evans, Ed Harris, Jamie Bell, Alison Pill, Tilda Swinton, John Hurt, Octavia Spencer, Ewen Bremner, Luke Pasqualino, Song Kang-ho, Steve Park, Clark Middleton, Kenny Doughty, Adnan Haskovic, Tómas Lemarquis.

Au-delà du sang

Au-delà du sang est le premier long-métrage de Guillaume Tauveron, jeune photographe basé à Tokyo et déjà auteur d’une douzaine de courts-métrages. Son film qui sort ce mercredi 30 octobre en France a la bonne idée de ramasser son récit sur 82 minutes (générique compris). Tout se déroule en une seule nuit dans un Tokyo pratiquement déserté de ses habitants, éclairé par des néons lugubres. Le voyage à travers la nuit de Shinji (Takahiro Ono) commence après être rentré de son boulot.

Il reçoit un étrange sms sur son portable qui lui donne un rendez-vous dans un bar. On lui révélera qui a tué, un an auparavant, son épouse Akemi (Omocha Chiba) à qui il pense. Le film est régulièrement ponctué de flashbacks où le passé de Shinji, puis des autres personnages, est raconté. Ces retours en arrière sont filmés avec une lumière blanche qui contraste radicalement avec l’atmosphère sombre et nocturne du récit au présent.

On se croit d’abord lancé dans un film de fantômes puisque c’est Akemi qui donne des pistes pour retrouver son propre meurtrier. Elle apparait comme dans un épisode de Ring, visage verdâtre et cheveux longs qui retombent sur son visage. Elle donne un nom à un Shinji éberlué par ce qu’il est en train de vivre. Il va devoir trouver Takeshi (Hiroei Ishihara), l’un de ses amis qu’Akemi désigne comme son bourreau. Le périple de Shinji va l’emmener à rencontrer quelques personnes qui sont, tout autant que lui, des solitaires désespérés.

Pour se venger, Shinji décide d’acheter un revolver. Il va en trouver un auprès d’un yakuza (Keisaku Kimura), patron d’une boite de strip-tease. Sa chemise rouge vif, ses cheveux gominés et sa gueule de méchant en font un yakuza idéal. Il est entouré de quelques hommes de main bien plus jeunes que lui qui retiennent une jeune femme en uniforme de lycéenne. Elle voulait s’échapper et Shinji va l’aider en tirant un coup de révolver dans la jambe du yakuza.

Le duo doit fuir, à pieds, dans les rues désertes. Ils rencontrent une femme Izumi (Miwako Izumi), tombée de vélo. Elle les invite chez eux. Ils discutent longuement malgré la fatigue. Elle se trouve de nombreux points communs avec Shinji. Ils partagent la même solitude, ils sont hantés par les fantômes de leur passé, ils pourraient tous les trois recommencer leurs vies, fonder une nouvelle famille, quitter la ville. Shinji souhaite poursuivre sa vengeance. Elle ne va pas le laisser quitter son appartement.

Le film repose sur des archétypes que l’on connait tous. Shinji est un salaryman qui ne quittera jamais sa cravate. Il agit froidement dans sa quête de vengeance comme s’il travaillait. Le yakuza plus cruel que jamais qui clame son charisme à ses sbires. La lycéenne que le yakuza retenait prisonnière pour en faire une strip-teaseuse. Et enfin la femme quadragénaire, seule dans son petit appartement qui subit tout le poids de la société japonaise. Ces personnages, le film les triture, cherche à en retourner les clichés et leur fait passer des épreuves.

Au-delà du sang fonctionne comme un thriller sous hypnose où les personnages subissent les événements qui leur tombent dessus sans qu’ils ne puissent choisir leur destin. On sent partout l’envie du cinéaste de se souvenir de certains pans du cinéma japonais avec respect (la chanson du vieux Shimura dans Vivre d’Akira Kurosawa) ou amusement (le clin d’œil à Kitano dans le dialogue entre Shinji et Takeshi, ce dernier appelant le premier « haniki »), ces souvenirs fonctionnant comme autant de fantômes. Finalement, Au-delà du sang est peut-être bien un film de fantômes.

Au-delà du sang (France – Japon, 2013) Un film de Guillaume Tauveron avec Takahiro Ono, Mari Yoshida, Omocha Chiba, Keisaku Kimura, Miwako Izumi, Hiroei Ishihara, Ryu, Yasunari Kondo, Takashi Kokubu, Masato Yamaguchi, Takuya Omoto, Kazuki Yamamoto.

La Légende Zatoichi 9 : La Lettre

Le jour de l’an est proche et Zatoichi (Shintarô Katsu) décide de le passer tranquillement dans le village de Kasama. Un homme lui propose une mission : donner une lettre à Sen (Eiko Taki), la servante de l’auberge. Cet homme est Shinsuke, le frère de Sen, poursuivi par la police pour avoir tué le chef d’un village voisin. Shinsuke se cache et espère pouvoir assouvir sa vengeance. Zatoichi ignore tout cela mais il va vite découvrir que ce qu’il se passe à Kasama ne lui réserve pas un jour de l’an très calme.

La communauté s’apprête à fêter la nouvelle année. Les saltimbanques et les marchands affluent pour divertir les villageois. Ils apprennent alors qu’ils devront reverser une large part de leur revenu au nouvel chef du village Jinbei (Kichijirô Ueda) qui pratique ce racket avec l’accord de Kojima (Akitake Kôno), l’intendant de l’empereur. Personne n’ose rien dire de peur des représailles. Personne ne veut partir maintenant qu’ils sont là. Pendant ce temps, les deux édiles passent leur temps à jouer au go faisant fi de la grogne populaire.

Dans l’auberge, Zatoichi doit cohabiter avec Mademoiselle Saki (Miwa Takada). Cette très belle jeune femme est à la recherche de son père qui se trouve être le chef de village que Shinsuke a tué sur commande de Kojima et Jinbei. La Lettre tourne autour du thème du père avec le personnage du vieil ivrogne Giju. Zatoichi pense qu’il pourrait être son propre père qu’il n’a jamais revu depuis dix-huit ans. Les deux hommes sympathisent et pactisent ensemble jusqu’à la trahison de Giju qui met Zatoichi dans tous ses états.

Les personnages fonctionnent par paire. Les deux chefs mafieux du village Kozima et Jinbei qui complotent pour accroitre leur pouvoir et s’accaparer l’argent du peuple. Les deux jeunes femmes Sen et Saki qui vont chercher l’aide de Zatoichi. Sur un mode plus mineur, deux saltimbanques qui apportent une pointe d’humour en se disputant sans cesse. Et enfin deux enfants acrobates d’une belle espièglerie qui vont aider Zatoichi à résoudre les problèmes des deux jeunes femmes. Ainsi chaque fois qu’un membre de la paire tente d’agir seul, tout tourne à la catastrophe.

Si Zatoichi pensait retrouver son père, il a aussi maille à partir avec deux samouraïs expérimentés, prolongeant ainsi le thème du double. Jinbei engage un samouraï fort en gueule mais qui ne sortira jamais son sabre et préférera s’enfuir plutôt que se battre contre Zatoichi. Le masseur aveugle trouvera son double parfait face à Gounosuke (Mikijiro Hida) aussi vif dans le maniement du sabre que Zatoichi. Les deux hommes sont ennemis mais se respectent, boivent du saké ensemble. Pour Gounosuke, il s’agit de battre Zatoichi et devenir un grand bretteur. Une mission impossible.

La Légende Zatoichi 9 : La Lettre (座頭市関所破り, Japon, 1964) Un film de Kimiyoshi Yasuda avec Shintarô Katsu, Miwa Takada, Eiko Taki, Kichijirô Ueda, Akitake Kôno, Mikijiro Hida.

Sorties à Hong Kong (octobre 2013) Rigor Mortis

Rigor mortis (殭屍, Hong Kong, 2013) Un film de Juno Mak avec Chin Siu-ho, Anthony Chan, Kara Hui, Pau Hei-ching, Lo Hoi-pang, Richard Ng, Chung Faat, Billy Lau. 101 minutes. Classé Catégorie IIB & Catégorie III. Sortie à Hong Kong : 24 octobre 2013.

Dimanche à Pékin + Sans soleil

Chris Marker est largement dans l’actualité cinématographique cette semaine avec la sortie de plusieurs de ses films. Largement veut dire ici par le nombre de films : un programme de courts-métrages : La Jetée (1962), Junkopia (1981), Dimanche à Pékin (1956) et Vive la baleine (1972) ; Lettre de Sibérie (1957), précieux documentaire tout en ironie sur l’URSS, invisible depuis des décennies ; Sans soleil (1983) ; Level five (1997) que l’on peut éviter et la semaine prochaine Le Fond de l’air est rouge (1976), sans oublier une expo au Centre Pompidou. Peu de copies existent en première semaine, mais les films vont tourner dans toute la France.

Dimanche à Pékin dure 20 minutes. Son générique est à la fois en chinois et en français. On remarque qu’Agnès Varda est créditée comme conseiller sinologique. L’idée du film est filmer des souvenirs de Pékin et, effectivement, ce sont des bribes d’images touristiques et typiques que l’on voit à l’image. « Un spectacle si joliment conventionnel », comme le dit le commentaire en voix off. Le film commence avec l’entrée du temple Ming (le plus vieux passé) pour finir avec le défilé de l’armée chinoise (la Chine de Mao Tsé-toung). Son regard est souvent celui d’un touriste un peu candide qui écarquille les yeux pour pouvoir tout découvrir.

Entre les deux, Chris Marker et son équipe observe la population dans ce qu’elle a de plus pittoresque. Cela va de deux hommes qui s’entrainent à la boxe chinoise au tireur de « pedicab » en passant par les écolières modèles. Le commentaire est encore sérieux, loin de l’ironie de Lettre de Sibérie et tente de se raccrocher à des comparaisons compréhensibles pour le spectateur français. Le cinéaste cherche dans Pékin des traces de Jules Verne ou de Marco Polo, compare les vieilles demeures aux décors de cinéma d’où Humphrey Bogart pourrait sortir d’une fumerie d’opium (bien que les films américains étaient censés se situer à Shanghai). On ne trouve aucun chat à Pékin. L’animal fétiche du cinéaste est cependant dessiné dans le générique et cité dans le commentaire.

Sans soleil n’est pas un film rare. Le regard du cinéaste est tout autre que dans Dimanche à Pékin, moins touristique et plus expérimental, de manière aujourd’hui souvent très désuète avec sa musique électronique et les images d’archives déformées. L’actrice Florence Delay lit des lettres de Sandor Krasna, un voyageur inventé qui n’est autre que Chris Marker, sur des images filmés en Afrique, en Islande, en Californie et au Japon. Toutes les lettres sont à la première personne du singulier. Ce « Je » qui s’adresse au spectateur propose de rentrer dans la mémoire du cinéaste globe-trotter. Le film est un montage d’images diverses non narratives où aucune des personnes filmées ne s’expriment devant la caméra, comme si il s’agissait d’une promenade.

Les parties les plus intéressantes sont filmées au Japon où l’on découvre la vie banale et quotidienne des habitants. Chris Marker filme les pieds des habitants, leurs mains, leurs visages, dans des plans très courts assimilables à des photographies, voire des clichés. Il filme surtout leurs rituels ancestraux, notamment ceux qui n’ont pas cours en France : la cérémonie des 20 ans des jeunes femmes où des cadeaux sont offerts pour devenir une bonne mère et épouse, l’arrivée de l’année du chien et les prières dans les temples. Ces rituels ancestraux, Chris Marker les confronte avec le trivial du présent. Il filme aussi au Japon beaucoup les chats sous toutes leurs formes, ceux qui se promènent dans les rues en toute liberté, comme les figurines qui accueillent le client dans les boutiques.

Dimanche à Pékin (France, 1956) Un film de Chris Marker.

Sans soleil (France, 1983) Un film de Chris Marker.

La Légende de Zatoichi 8 : Voyage meurtrier

Pour son retour à la mise en scène de Zatoichi, Kenji Misumi encombre les bras de son héros d’un nourrisson. On ne peut pas, rétrospectivement, s’empêcher de penser à la série des Baby Cart que Kenji Misumi entamera huit ans plus tard en regardant ce Voyage meurtrier. Zatoichi est lui aussi un loup solitaire poursuivi par une meute de mercenaires qui en veulent à sa peau. Sauf que le ton de cette huitième aventure du masseur aveugle est plutôt joyeux et fonctionne sur le mode du road movie.

Si Zatoichi a un bébé avec lui, c’est à cause d’un concours de circonstance. Il se cache de ces cinq mercenaires qui cherchent à le tuer. C’est d’abord grâce à une procession d’aveugles qui le protègent qu’il leur échappe. Puis, il se fait transporter dans un palanquin. Sur le chemin, une femme portant un bébé trébuche de fatigue. Il lui cède la place mais les mercenaires, ayant vu Zatoichi se glisser dans la chaise à porteur, transpercent de leurs sabres le palanquin. La mère meurt. Le bébé est désormais seul au monde.

Si ce début de scénario est plutôt triste, le voyage de quelques jours que va engager Zatoichi pour emmener le bébé à son père sera plus léger. Kenji Misumi s’amuse d’abord de l’incongruité à mettre son personnage dans cette situation : comment nourrir le bambin, comment changer ses couches, comment échapper aux pleurs du nourrisson ? Pour les langes que Zatoichi jette au fur et à mesure des besoins du petit, il a une belle solution : il dépouille les épouvantails de leur chemise, les déchire et en fait des couches.

C’est justement au bord d’un champ qu’il fait la connaissance d’une femme (Ikuko Môri), personne de mauvaise vie, voleuse et sans doute prostituée, qu’il retrouve au village voisin en train de dérober un samouraï. Zatoichi décide de l’engager pour servir de nourrice. Ce trio cocasse traverse la campagne et les villes telle une nouvelle famille. La nourrice se rêve alors en mère de famille et, pourquoi pas, en épouse de Zatoichi. Elle lui fait d’ailleurs cette proposition de garder le bébé et de vivre ensemble.

Le film développe quelques moments comiques entre la nourrice et Zatoichi, notamment lors de leur première nuit ensemble dans la même chambre. Elle croit avoir été engagée pour donner su plaisir. Elle comprendra qu’elle doit s’occuper du bébé, Zatoichi souhaite seulement passer une nuit de calme. Au fil du trajet, elle se vexera que le masseur repasse toujours derrière elle pour chacune des taches accomplies. Des disputes de couple finalement bien ordinaires pour ce solitaire de Zatoichi.

Pendant ce temps, les mercenaires tentent de poursuivre le masseur. Il passe un accord de dupes avec eux : ils pourront s’occuper de lui quand il aura rendu l’enfant à son père. Comme on connait les habitudes de Zatoichi, on sait que peu survivront à l’habileté de son maniement d’arme. La scène finale de Voyage meurtrier est plus convenue que le reste du film, même si elle parvient à émouvoir partiellement par sa mélancolie. Le destin de Zatoichi ne change pas, il doit continuer à vivre seul et à éviter ceux qui veulent sa peau.

La Légende de Zatoichi : Voyage meurtrier (座頭市血笑旅, Japon, 1964) Un film de Kenji Misumi avec Shintarô Katsu, Nobuo Kaneko, Gen Kimura, Ikuko Môri, Shôsaku Sugiyama, Hizuru Takachiho.

La Légende de Zatoichi 7 : La Lame

« J’ai abattu Zatoichi avec mon mousquet », crie le jeune Seiroku à ses compagnons yakuza qui demandent des preuves. Le corps du masseur aveugle est introuvable. Il a été touché dans le dos mais n’est pas mort. Remis de ses blessures, Zatoichi (Shintarô Katsu) part à la recherche de Kuni (Naoko Kubo), sa bienfaitrice qui a payé le médecin. Il se trouve qu’elle est la fille du chef Bunkichi du village de Kajikazawa. Elle ignore qui est l’homme qu’elle a sauvé puisqu’il n’a pas pu donner son nom. C’est donc tout naturellement qu’elle l’accueille dans sa demeure.

Elle vit avec son père Bunkichi et sa jeune sœur Shizu. Depuis un an, leur frère a quitté le foyer, parti pour des aventures plus viriles : il est devenu yakuza. Il s’agit de Seiroku qui, tel un fils prodigue, fait son retour à Kajikazawa, humilié de n’avoir pas trouvé le corps de Zatoichi. Shizu n’apprécie pas le retour de Seiroku d’autant qu’elle juge son frère immature, vantard et violent. Ce qu’il est. Cependant l’humeur chez les Bunkichi est à la fête car tout le village s’apprête à célébrer l’été avec des beaux feux d’artifices.

Tout se passerait pour le mieux si une rivalité avec le chef du village voisin, Yasugoro (Tatsuo Endô) ne compromettait cette ambiance. Yasugoro veut la concession du gué de la rivière qui sert de limite entre les deux clans, concession qui appartient aux Bunkichi. Pour cela, il est prêt à tous les coups bas, l’un d’eux sera de capturer Seiroku tout en faisant croire à son père que le jeune homme impétueux a blessé le chef Yasugoro. Zatoichi, pas rancunier, ira le délivrer et ne recevra aucun remerciement.

Cette septième aventure de Zatoichi, réalisée comme la sixième par Kazuo Ikehiro, revient sur les conflits entre clans rivaux au milieu desquels Zatoichi se trouve mêlé bien malgré lui. Cette fois, le masseur aveugle prend clairement parti pour les Bunkichi. Le chef Yasugoro, avec son bégaiement et ses éructations, est montré comme un homme sournois. Zatoichi reconnait les gens aux grands cœurs. Parmi eux, Kuni, femme célibataire, est d’une moralité à toute épreuve. Le film évite pourtant la romance entre Kuni et Zatoichi.

La Lame retrouve, le temps d’une séquence, la beauté d’une mise en scène des combats parfaitement maîtrisée. Zatoichi se bat de nuit. A l’extérieur, les feux d’artifices sont lancés et crépitent. A l’intérieur, les bougies éclairent le couloir de la demeure des Yasugoro. La lame de Zatoichi les tranchent les unes après les autres, seul son visage dans l’obscurité reste à peine visible. Ce seront les lumières des feux d’artifices qui éclaireront les adversaires dans un couloir, filmés dans un travelling latéral.

Le film est volontiers sanglant et les morts s’accumulent. Pour contraster avec cette funeste atmosphère, La Lame dissémine çà et là quelques courts moments burlesques. Zatoichi s’énerve contre une mouche qu’il tranche avec son sabre. Des enfants lui font acheter des sucreries par malice. Il tombe dans un trou dans une route. Il se fait porter pour traverser la rivière à gué et son porteur est bien encombré avec le corps massif du masseur. Ces saynètes comiques permettent au spectateur de reprendre son souffle entre deux combats violents

La Légende de Zatoichi : La Lame (座頭市あばれ凧, Japon, 1964) Un film de Kazuo Ikehiro avec Shintarô Katsu, Tatsuo Endô, Takashi Etajima, Ryûtarô Gomi, Bokuzen Hidari, Jun Katsumura, Naoko Kubo, Ikuko Môri, Mayumi Nagisa, Yutaka Nakamura, Koh Sugita, Teruko Ômi.

Haewon et les hommes

Comme dans ses films les plus récents, la petite rengaine d’Hong Sang-soo continue dans Haewon et les hommes. Des promenades dans la ville, ici le quartier ouest de Séoul et une forteresse médiévale dans la campagne. Deux personnages travaillant dans le cinéma, Hae-won (Jeong Eun-chae), apprentie actrice est l’étudiante de Lee (Lee Seon-gyoon), réalisateur de cinéma qui donne des cours de cinéma à la fac. Ils étaient amants, ils ne le sont plus. Tout le récit tourne autour d’eux, de leur crise existentielle.

Avec son pull rouge vif aux manches trop longues, Hae-won traine sa solitude dans les cafés. Elle rencontre Jane Birkin qui cherche son chemin et lui confesse qu’elle ressemble à Charlotte. Elle retrouve sa mère (Kim Ja-ok) pour une ultime conversation. Sa mère quitte la Corée pour s’établir au Canada. Hae-won va se retrouver encore plus seule. Elles visitent un parc, une librairie où les livres sont offerts, croisent un jeune homme qui fume. Hae-won se lance dans une danse enfantine autour d’une statue.

En passant devient un hôtel, elle se rappelle qu’elle a couché avec Lee ici pour la première fois. Elle décide de l’appeler. Il est marié et a trois enfants. Leur relation a toujours été gardée secrète, du moins le pensent-ils. Car lors d’une conversation alcoolisée, comme Hong Sang-soo en place toujours dans ses films, dans un restaurant, le soju – l’alcool de riz coréen – fait délier les langues. Hae-won et Lee sont entourés de six étudiants qui jugent bien sévèrement la jeune femme.

Les hommes qui illustrent le titre français ont tous les âges mais sont tous des intellectuels. Le jeune libraire que la mère tente de pousser dans les bras de sa fille, l’étudiant triste qui a consolé Hae-won, des mois auparavant, quand elle a rompu avec le professeur Lee et un homme plus âgé qui travaille lui aussi dans le cinéma mais à Hollywood qui lui propose de l’épouser au coin d’une rue. Et ce vieillard qui agit comme un chœur antique au milieu de la forteresse qui commente les disputes entre Hae-won et Lee.

Le film d’Hong Sang-soo accumule les répétitions, d’abord avec ses anciens films (la scène de restaurant alcoolisée) puis au sein même du récit. Une cigarette sur le sol que la jeune femme écrase du pied, les allers et retours dans la forteresse où elle emprunte les mêmes sentiers, les dialogues se répètent y compris quand les protagonistes changent. Hong Sang-soo procède par substitution, tente toutes les possibilités en déplaçant les personnages d’un lieu à un autre.

L’atmosphère de Haewon et les hommes est grisâtre, reflétant les sentiments de ses personnages principaux. On est au printemps (la voix off d’Hae-won égrène les dates, comme si elle rédigeait un journal intime) mais l’amour à du mal à éclore en cette saison de renouveau. Et finalement, on se rend compte que peut-être la jeune femme est en train de rêver tout cela, qu’elle vit sa vie comme un songe ou qu’elle imagine tout ce qui lui arrive, comme si elle écrivait le scénario de sa vie amoureuse dont elle serait le personnage central.

Haewon et les hommes (누구의 딸도 아닌 해원, Corée, 2012) Un film d’Hong Sang-soo avec Lee Seon-gyoon, Jeong Eun-chae, Kim Ee-seong, Yoo Joon-sang, Ye Ji-won, Ki Joo-bong, Kim Ja-ok, Ryoo Deok-hwan, Ahn Jae-hong, Bae Yoo-ram, Sin Seon, Jeong Da-won, Ahn Seon-yeong, Park Joo-hee-I, Jane Birkin.

Sorties à Hong Kong (octobre 2013) Special ID

Special ID (特殊身份, Hong Kong – Chine, 2013) Un film de Clarence Ford avec Donnie Yen,    Andy On, Jing Tian, Zhang Han-yu, Yang Kun, Qi Daji, Ngai Sing, Pau Hei-ching, Frankie Ng, Ronald Cheng, Ying Zhi-gang, Ken Lo. 98 minutes. Classé Catégorie IIB. Sortie à Hong Kong : 18 octobre 2013.